“Фауст”: книга всей жизни

Работа над “Фаустом”, начатая в 1771 году, завершилась в год смерти Гёте. Творческая история длиной в шестьдесят лет.

Вариант, созданный до 1775 года, впоследствии получит название “Пра-Фауст”. Он будет опубликован много позже (1886).

“Фауст” 70-х годов трагедией в классическом смысле не был. Если это и была трагедия, то — мещанская. Герой народной книги, продавший душу Мефистофелю, выступал в роли бунтаря-штюрмера. Уставший от схоластического бесплодия учёный оставил свою келью, чтобы вкусить радости жизни. Жертвой его бунта оказалась юная простолюдинка Маргарита — Гретхен. Фауст закалывает её брата Валентина, вступившегося за честь сестры, а сама Маргарита осуждена на казнь как детоубийца.

Голос свыше в “Пра-Фаусте” не мог бы прозвучать, ибо в нём были лишь земля и ад, но не было неба. Теперь высота задана сразу же — в прологе: “Пролог на небе”. Впрочем, принято считать, что прологов два: первый — “Театральное вступление”. «Пролог на небе», как и следует традиционному прологу, предваряет всю историю, позволяя взглянуть на землю с божественной высоты. Диссонансом звучат речи явившегося на приём к Господу Мефистофеля. Он пришёл якобы ходатаем за человечество, которому так худо, так беспросветно, “что даже я щажу его пока”.

Господь предлагает не щадить, а испытать. Кого? Фауста. Господь в нём уверен. Мефистофель предлагает спор. Господь его принимает, даже поощряя Мефистофеля:

Господь и Мефистофель расстаются довольные заключённым пари и друг другом.

Начинается действие: “Ночь. Тесная готическая комната со сводчатым потолком”. Фауст уже готов бросить всё и бежать, но кого взять в провожатые? Первая мысль о Нострадамусе (1503–1566), мистике и предсказателе. Затем Фауст цитирует другого знатока мира духов — Сведенборга (1688–1772), внимательно рассматривает в его книге знак макрокосма и отвергает его.

Перевернув страницу, Фауст видит знак земного духа и вызывает его. Это “деятельный гений бытия”, который повсюду. Эту веру исповедует Фауст. С ревнивой иронией Мефистофель величает его “сыном Земли”. И он прав. Прав в отношении того Фауста, каковым он становится в окончательном варианте трагедии, для которого главное — не бежать от себя прежнего и насладиться. Намерение другое. О нём Фауст говорит сразу же после подписания рокового договора, которым он отдаёт душу Мефистофелю после своей смерти. Она наступит, согласно условию, как только Фауст произнесёт слова: “Остановись, мгновенье”. Они будут означать пресыщение или удовлетворённость. Ему покажется, что можно остановить поток жизни. И это конец.

А что в начале? Об этом и задумывается Фауст в своём кабинете, открыв Священное Писание. Для Фауста “Что значит знать?” — вопрос о цели знания. Полученное им знание не может обернуться делом. При попытке стать жизнью оно скорее ведёт к смерти. Тут-то и появился Мефистофель, первоначально принявший вид чёрного пуделя.

Договор подписан кровью. Мефистофель приступает к выполнению своей части условия — “исполнять любую блажь” Фауста. Пока у того нет желаний, Мефистофель сам придумывает программу. Первый визит — к студентам, второй — на кухню ведьм за омолаживающим снадобьем.

Следующая сцена — “Улица”: “Маргарита проходит мимо”. Фауст к ней подходит и заговаривает. Далее и до конца первой части трагедии разворачивается история любви Фауста и Маргариты. И вот какой возникает вопрос,: каким образом эта история согласуется с новыми мотивировками, которыми Фауст сопровождает свой договор с Мефистофелем? Фауст не уменьшил, а увеличил число опечаленных и скорбящих. Его порыв к людям был сокрушительным для тех, кто встретился на его пути. Это так, и поэтому жанр истории о Фаусте, разыгранной Гёте, — трагедия. Трагедия благих порывов, лучших побуждений и чувств.

Центральное событие второй части трагедии — любовь Фауста к Елене, той самой, из-за которой пала Троя. Она — высшее воплощение красоты и женственности.

Действие в трагедии Гёте происходит не в безвременье и не в вечности, но в вечно меняющемся мире, о котором Фаусту некогда вещал Дух земли. Мефистофель даёт возможность герою свободно передвигаться в этом временном пространстве, уходя к истокам и снова возвращаясь на авансцену современности. Для того чтобы Фауст смог обрести Елену, не только она, но её мир — греческой классики, олимпийских божеств — должен развиться из первоначального хаоса, представленного разного рода фантастическими образами раннего мифа. Фаусту удалось добиться у Персефоны разрешения увести Елену из царства мёртвых.

Так во второй части трагедии происходит путешествие по эпохам, предполагающее историческое иносказание. Человек Средневековья вступает в союз с идеалом античной красоты. Что может быть плодом их союза? Эвфорион — их сын, которым с первого момента владеет страсть взлететь, воспарить. Это и погубит его, как нового Икара.

У Гёте дана не историческая схема, а чувственное переживание каждой из эпох — в мифах, пластических образах, меняющемся характере поэтической формы.

Фауст, получив от императора полосу побережья, решает осушить его, сделать пригодным для жизни. Закипела работа. Таинственные существа — лемуры — по приказу Мефистофеля и преимущественно ночью творят её, как будто бы исполняя желанье Фауста. Но он сам уже не может ни увидеть, ни оценить результат. Он стар и слеп. Фауст-преобразователь впервые ощущает себя счастливым. Он предаётся мечтанью:

Народ свободный на земле свободной Увидеть я б хотел в такие дни. Тогда бы мог воскликнуть я: “Мгновенье! О как прекрасно ты, повремени!..”

На этих словах Мефистофель счёл условие их договора исполненным.

Тело мертво, а что душа Фауста? Пасть ада уже разверзлась, но за Фауста просят небесные хоры, его приветствует “одна из кающихся, прежде называвшаяся Гретхен”, и, наконец, звучит слово Богоматери. Он спасён. За что? Не за видение светлого будущего и даже не за дело, в которое он верил более всего и которым хотел увенчать свой земной путь.

Гёте пережил эпоху Просвещения, оказавшись в положении того, кто подводит итог. Финальные сцены трагедии звучат предупреждением просвещённому человеку, познавшему свою силу, обретшему власть над природой и другими людьми, — быть осторожным в использовании этой силы.

Гёте принадлежит к тем гениям, кто определяет лицо своего времени, своей национальной культуры и заново оценивает, устанавливает её связи с другими эпохами и народами.

Иоганн Кристофер Фридрих Шиллер (1759-1805)

Вступил в немецкую литературу на исходе движения “Буря и натиск”, и его первая драма “Разбойники” полна героической патетики, направленной против тирании.

Восторженный приверженец античности, видел в ней тот идеал, на который нужно равняться. Герои его драм “Дон Карлос”, “Валленштейн”, “Мария Стюарт”, “Орлеанская дева”, “Вильгельм Телль” – борцы за идеалы свободы, отрешившиеся от всего личного.

Итальянская комедия масок

Карло Гольдони (1707-1793)

Комедиограф. Комедия масок послужила источником вдохновения. Напомним, что традиционная итальянская комедия масок существовала со времен средневековья. Сюжетом служили быт и нравы, существовавшие в разных частях Италии. На многочисленных диалектах говорили и герои. Сценария как такового обычно не было, все строилось на заданной теме и импровизации актеров, зачастую игравших одну и ту же роль (маску) на протяжении всей актерской жизни. Характеры масок были традиционными и легко узнаваемыми. На севере Италии это были Арлекин, Доктор, Панталоне, Бригелла, на юге – Пульчинелла, Тарталья, Ковелло, Скарамучча. В основе драматургии Карло Гольдони – простота и естественность.

«Слуга двух господ», комедия – шутка. Развит лишь характер Труффальдино - одной из разновидностей масок Арлекина.

«Трактирщица» - одна из самых популярных комедий. Мирандолина – главная героиня. 36 переводов и переделок, 11 оперных либретто, ставится во многих театрах под разными названиями.

Карло Гоцци (1720-1806)

Реальным героям Гоцци часто предпочитает маски и тем самым идёт по пути ненавистного ему Гольдони.

«Любовь к трем апельсинам» - сказка, одновременно и пародия на современников. Гольдони (маг Челио), Кьяри (фея Моргана), Тарталья (венецианский зритель) нашли блестящее авторское воплощение.

«Король-олень» - аллегорическое зеркало, изображающее монархов, которые, слепо подчиняясь министрам, превращаются в художественные образы.

«Принцесса Турандот». Фабула восходит к древнекитайскому фольклорному мотиву. (3 загадки принцессы женихам, смерть в случае поражения, жизнь и трон, если загадки будут разгаданы. Действие происходит в Пекине). Но в мизансценах – традиционные актеры из комедии масок. Комедия идет с большим успехом на многих сценах мира, в том числе и в России.

Вопросы для самопроверки

1. Творчество Гете

2. «Фауст». Фауст и Мефистофель

3. Трагедии Шиллера

4. Комедия масок в Италии.

5. Творчество Гоцци

6. Творчество Гольдони

ТЕМА 3

Барокко, рококо, реализм, классицизм, сентимпентализм в европейской культуре 17-18 вв.

В рамках этой темы необходимо знать, что в XVII в. сложились две стилевые системы: барокко и классицизм, но помимо этого складывается третье, реалистическое направление в искусстве.

Для барокко характерны большая эмоциональная приподнятость и патетический характер образов, что достигается за счет масштабности построек, преувеличенной монументализации форм, динамики пространственного построения, повышенной пластической выразительности объемов. Отсюда криволинейность планов, изгибы стен, на которых как бы вырастают карнизы, фронтоны, пилястры; изобилуют малые формы архитектурного декора: окна украшаются разнообразными наличниками, ниши — статуями. Общее впечатление бурного движения и богатства дополняется скульптурой, росписями, лепниной, отделкой цветными мраморами и бронзой. К этому следует добавить живописные контрасты светотени, перспективные и иллюзионистические эффекты.

Ярче всего черты барокко воплотились в монументальной скульптуре, в творчестве Лоренцо Бернини (идеи торжества мистики над реальностью, экстатическая выразительность образов, бурная динамика формы).

В живописи вклад в искусство барокко внесли болонские академисты братья Карраччи, Гвидо, Рени, Гверчино. Своего полного развития барочная концепция достигает у Пьетро да Нортона, Бачиччо и др. В живописи барокко господствовали монументально-декоративные росписи, в основном плафоны, алтарные картины с изображениями апофеозов святых, сцен чудес, мученичеств, огромные исторические и аллегорические композиции, народный портрет (большой стиль).

Барочное искусство Фландрии имеет свою специфику. У Рубенса, Йорданса и других мастеров характерная для барочной концепции антитеза земного и мистического, реального и иллюзорного выражается скорее внешне, не переходя в трагический диссонанс.

В Испании XVII в. барокко развивалось в своеобразных национальных формах в архитектуре, скульптуре, живописи с ярко выраженной поляризацией.

Во Франции стиль барокко не занимал ведущего положения, но зато Франция XVII в. — это историческая арена развития классицизма.

Питер Пауэл Рубенс (1577—1640)

Рубенс был главой фламандской национальной школы, его искусство прекрасно передает дух эпохи. Он был универсальной личностью: не только живописцем, гравером, но и дипломатом.

Наиболее известные полотна — «Снятие с креста», «Персей и Андромеда», «Пьяный Вакх». С 1635 г. начинается стеновский период творчества живописца, когда, купив загородный замок Стен, Рубенс поселяется в нем с молодой женой Еленой Фоурмен. В это время Рубенс создает проникнутые демократическим духом и ощущением могучих природных сил пейзажи и сцены из крестьянской жизни («Возвращение жнецов», «Крестьянский танец»). Живописное мастерство Рубенса с особой силой проявилось в жанре портрета: таковы полные живого обаяния, портреты «Елена Фоурмен с детьми», «Шутка», «Камеристка». Живописи Рубенса присущи раскованная свободная манера, выразительная пластика, тонкость красочных градаций

Никола Пуссен (1594—1665)

Основоположник классицистической живописи, основного стилевого направления Франции; его картины на религиозные, мифологические и исторические сюжеты утверждают силу разума у общественно-этические нормы. Живопись Пуссена характеризует возвышенный образный строй. Глубокий философский замысел сочетается в ней с ясностью композиции и рисунка: «Танкред и Эрминия», «Смерть Германика». Прекрасны величественные героические пейзажи Пуссена: «Пейзаже Полифемом», «Аркадские пастухи». Массы в них строго уравновешены, воздух прозрачен, краски чисты.

Харменс ван Рейн Рембрандт (1606—1669)

Голландский живописец, рисовальщик офортист, — представитель внестилевого реалистического направления. Новаторское искусство Рембрандта отличается демократизмом и жизненностью образов. Он писал портреты, в том числе парные и групповые («Автопортрет с Саскией на коленях», «Ночной дозор»), религиозные и мифологические сцены («Святое семейство», «Даная»).

К 1660-м гг. относятся наиболее сложные по психологической структуре религиозные, исторические композиции и портреты Рембрандта («Возвращение блудного сына», «Синдики»). Его широкая, свободная живопись приобретает пространственную глубину и особую одухотворенность.

Микеланджело да Караваджо (1573—1610)

Этот итальянский живописец, живший на рубеже веков, считается основоположником реализма.

Для живописи Караваджо характерны простота и лаконизм композиции, выразительная пластика. Он создал религиозные и мифологические композиции необычайной драматической силы и эмоциональной выразительности.

К числу его наиболее известных полотен относятся «Положение во гроб», «Вакх», «Девушка с лютней», «Лютнист».

Судьба Караваджо трагична. Он умер в 36 лет, последние годы жизни проведя в скитаниях.

Диего Веласкес (1599— 1660)

Живописное искусство Испании достигает своей вершины в творчестве Веласкеса, одного из выдающихся мастеров реалистического направления в искусстве Западной Европы XVII в.

Его живопись характеризуется глубиной психологических характеристик и яркой индивидуальностью моделей. Веласкес обладал особым даром раскрытия внутренних, глубоко спрятанных черт характера и душевного склада человека.

Наиболее известные произведения — «Сдача Бреды», «Менины», «Пряхи».

В XVIII в. берет начало процесс решительного изменения в соотношении видов и жанров искусства, получивший завершение в следующем столетии. Литература и музыка постепенно начинают приобретать значение ведущих видов искусства.

Создание в XVIII в. Бахом, Моцартом, Глюком, Гайдном таких музыкальных форм, как фуга, симфония, соната, раскрыло способность музыки передавать тончайшие нюансы и процесс становления переживаний человека.

Изобразительное искусство и архитектура

XVIII в. — век портрета, но уже на новом витке развития культуры. Изящная интимность, сдержанная лиричность, вежливо-беспощадная аналитическая наблюдательность — таковы художественные особенности портретов Латура, Гейнсборо, Гудона. Умение передать тончайшие оттенки настроения, подметить характерное отличает галантные празднества и жанровые сценки Ватто, Фрагонара, скромные бытовые мотивы Шардена, городские пейзажи Гварди.

Формирование новой культуры происходит весьма неравномерно в различных странах. Например, в Италии, лишенной национального единства, продолжается развитие традиций XVII в. Во Франции XVIII в. начинается печально-мечтательным изящным искусством Ватто и завершается революционным пафосом полотен Давида, приобретая сознательную гражданскую направленность.

В Испании творчество молодого Гойи противостоит классицизму страстным интересом к ярким, характерно выразительным сторонам жизни и предваряет переход изобразительного искусства к реалистическому романтизму XIX в.

В XVIII в. сокращается церковное зодчество и возрастает объем гражданского строительства. Архитектуру характеризует стиль позднего барокко — еще более динамически усложненного, декоративно-перегруженного, менее величавого и монументального. Дальнейшее развитие претерпевает и классицистическое направление. Во Франции был создан ряд блестящих ансамблевых решений (площадь Согласия в Париже), представляющий переосмысление в духе классицизма принципов планировки городского ансамбля. Зарождается интерес к более интимной трактовке архитектурного образа отдельного особняка, более комфортабельного, элегантного. Это приводит к сложению принципов искусства рококо, более камерного, чем барокко.

Искусство рококо, более интимное, рассчитанное на украшение досугов чуткого к «изящному», обладающего изысканным вкусом частного человека, определило создание стиля живописи дифференцированного в оттенках настроения, в тонкостях сюжетного, композиционного, колористического и ритмического решения. Искусство рококо избегало обращения к драматическим сюжетам, к познанию реальности, очень скоро выродившись в бездумно-поверхностное искусство представителей той части общества, которая исповедовала девиз Людовика XV: «После нас — хоть потоп».

Сентиментализм – художественное течение в европейском и американском искусстве второй половины 18 в., возникает в результате кризиса просветительского рационализма. Недоверие по отношению к разуму как основному орудию познания и переустройства мира привело к противопоставлению разума чувству, изображению внутренних переживаний человека. Необходимым условием существования человека сентименталисты считали высвобождение и совершенствование «естественных» чувств. Основными отличительными чертами стали идеализация «естественного» человека, раскрытие «тайн» его души.

Сентиментализм получил название по роману Лоренса Стерна “Сентиментальное путешествие”.

Вопросы для самопроверки

1. Эстетические особенности стиля барокко

2. Классицизм во Франции

3. Стиль рококо в искусстве Франции

4. Сентиментализм в европейской литературе

5. Музыкальное искусство 17-18 вв в Европе

6. Внестилевое направление в европейской живописи

ТЕМА 4

Русское искусство 17 – 18 вв

В рамках этой темы необходимо знать, что последним этапом древнерусской истории был 17 век. Он же явился и началом нового периода в истории русского искусства.

В конце 17 в. наблюдается отход от канонов древнерусской архитектуры в храмовом зодчестве. Новый архитектурный стиль получил название «нарышкинского барокко» по имени родственников второй жены царя Алексея Михайловича – Натальи Кирилловны Нарышкиной (церковь Покрова в Филях).

Среди других построек бояр Нарышкиных примечательна трапезная Троице-Сергиевой лавры, имеющая богато декорированный фасад с расписными стенами и раковинами на карнизах, церковь в Троице-Лыково, храм Успения в Рязани.

По композиции «нарышкинские церкви» представляли собою традиционный восьмерик на четверике, усложненный пышным ордерным декором (виноградная лоза, гранаты, тюльпаны, фрукты, цветы) и кружевной орнаментикой из белого камня на красной кирпичной плоскости стены.

Церковь Богоматери в Дубовицах явила пример уникального, нигде больше не повторяющегося стиля, получившего название «голицынского барокко».

Большого расцвета достигло в 17 в. ювелирное и декоративно-прикладное искусство.

В произведениях декоративно-прикладного искусства 17 в. появилось стремление русских художников к красочности, усложненности и разнообразию форм.

Русское искусство 18 в

Петровское время явилось переломным для всей русской жизни, обозначило переход от средневековья к новому времени. При этом ориентация на Западную Европу стала определяющей и даже принудительной.

Петербургский стиль – это особое ощущение пространства и исторического времени. С 1914 г. Петр запретил каменное строительство везде, кроме Петербурга, и одним из первых выдающихся сооружений стал Петропавловский собор, автором проекта являлся Доменико Трезини (1670 – 1734). Архитектурная композиция колокольни в верхней части является типичной для «петровского барокко», где волюты, скрепляющие этажи, верхний четверик покрыт куполом, на который поставлен восьмигранный фонарик со шпилем. Петровские ворота, как и все сооружения Петербурга первой четверти 18 в., были возведены в формах барокко, хотя стиль архитектуры Петербурга при жизни Петра не является стилем барокко в полном смысле этого слова. Это определялось принципом целесообразности, строгости и простоты. И принципы остались в силе даже при строительстве дома Петра в Летнем саду, больше похожего на жилище голландского бюргера.

В те же годы строились дворец Меньшикова, палаты Кикина, палаты князя А.П. Троекурова, дом Д.Трезини, здание Двенадцати коллегий, подмосковные Кусково, Вороново. Любовь Трезини к Голландии сказалась во всех этих постройках.

Постепенно вкусы Петра переместились в сторону пышности абсолютистской Франции. Это нашло отражение при строительстве Петергофа. Оригинальный ансамбль, в создание которого внес свою лепту художник европейского масштаба и исключительного дарования Жан Батист Леблон (1679 – 1719). Центральную ось композиции составлял морской канал, который под прямым углом пересекала аллея, идущая от дворца Марли, и лучевые аллеи, что обеспечивало исключительный обзор. Петергоф с его морской романтикой оказался непохожим ни на один из известных европейских художественных стилей.

Петербургу, задуманному как мировая столица, не соответствовал облик архитектуры европейской провинции, поэтому «петровское барокко» оказалось недолговечным. Осуществить то, что задумал Петр великий, оказалось под силу «елизаветинскому рококо», «екатерининскому классицизму», «александровскому ампиру».

Излюбленным мотивом орнамента для Елизаветы Петровны являлся рокайль (раковина), импортированный из Франции, поэтому в оформлении дворцовых интерьеров, ювелирных украшениях, столовых сервизах, мебели и мелкой пластике широко использовался стиль рококо.

Франческо Бартоломео Растрелли (1700- 1771)

Он соединил в своих постройках ордерность классической итальянской архитектуры, барочную динамику, орнаментику французского рококо и полихромию древнерусского зодчества. В результате возник особый, растреллиевский стиль, или стиль «монументального рококо».

Петербург из города-крепости превращался в город дворцов, в которых отражалось могущество русского государства.

Дворцовые интерьеры Растрелли – это бесконечная анфилада залов и кабинетов, бесконечная благодаря тому, что парадная лестница находилась не в центре дворца, а сбоку. Другой характерной чертой является светский, увеселительный облик независимо от предназначения зданий. Третья особенность интерьеров Растрелли состояла в его пристрастии к изобилию. В архитектуре Зимнего дворца нашла развитие композиционная схема дома-блока, замкнутого вокруг внутреннего двора.

Наряду с Растрелли крупнейшими русскими архитекторами барокко являются С.И.Чевакинский, построивший Николо-Богоявленский собор в Петербурге, и Д.В.Ухтомский, автор колокольни в Троице-Сергиевой лавре.

Особенности, присущие елизаветинской архитектуре середины века, находили своеобразное отражение в литературе.

Антиох Дмитриевич Кантемир (1708 – 1744) написал первую сатиру, выступив зачинателем сатирического направления. Василий Константинович Тредиаковский (1703 – 1769) начал обновление литературного языка, переведя на разговорный язык поэму мирского содержания «Езда на остров любви» с церковно-славянского, ибо он, по словам самого Тредиаковского, «жестоко ушам слышится». В 1735 г. он опубликовал «Новый краткий способ к сложению российских стихов с определениями до сего надлежащих званий», в котором предложил строить стих на ритмическом чередовании ударных и безударных слогов, осуществив тем самым реформу стихосложения.

Михаил Васильевич Ломоносов (1711 0 1765) развил эти принципы, выделив три рода речений (высоких, посредственных и низких). Соответственно литература была разделена на «три штиля», за каждым из которых закреплялась определенная лексика. К высокому стилю относились трагедия, героические поэмы, оды, «прозаические речи о важных материях». Посредственный стиль включал послание, сатиру, элегию, драму, написанные словами всех трех речений. Низкий стиль – это комедии, эпиграммы, басни, письма и песни, которые писали языком, близким к разговорному.

В последнем десятилетии царствования Елизаветы господство оды уступило место растущей популярности нового жанра – трагедии. Это было связано с ростом дворянского либерализма и волной просветительства. Поворот от оды к трагедии означал вместе с тем переход от велеречивости Ломоносова к простоте и сдержанности Александра Петровича Сумарокова (1717 – 1777). Сюжеты Сумароков брал из полулегендарной русской истории, таковыми были «Хорев», «Дмитрий Самозванец».

С вступлением на престол Екатерины Второй начался новый этап в развитии русской культуры, ее сближения с европейской, русское искусство стало наравне с западноевропейским.

Мода на античность и классицизм была немедленно импортирована в Россию, где она наиболее ярко проявилась в архитектуре. На смену нарядному и пышному барокко и рококо пришел «екатерининский классицизм». Первым из классицистических зданий стала Академия художеств (проект Жана Батиста Вален-Деламонта и Михаила Федоровича Кокоринова), построенная в стиле раннего классицизма, сохраняющая очарование уходящего барокко. Другим строением был Малый Эрмитаж.

Почти в то же время архитектором Петербурга стал Антонио Ринальди (1710 – 17940. Он спроектировал Китайский дворец и павильон Катальной горки в Ораниенбауме, Мраморный дворец в Петербурге.

Особую роль в строительстве Петербурга времен Екатерины сыграл Джакомо Кваренги (1744 – 1817), наиболее полно проявивший себя именно в России. Стиль Кваренги характеризуется как строгий классицизм с его творческой бескомпромиссностью, которая выражается в предельной простоте и четкости форм, статичности, обязательной симметрии, строгом чередовании одинаковых декоративных мотивов. В соответствии с этими требованиями были построены здания Академии наук, Мариинская больница, Смольный институт благородных девиц, Конноспортивный манеж.

Одним из символом «екатерининского классицизма» стали сооружения Чарльза Камерона (1740 – 1812) в Царском Селе. Он создал галерею, названную впоследствии Камероновой, Агатовые комнаты и Холодные бани. Камерону удалось оживить здесь античные образцы в тех зримых формах, которые соответствовали представлениям о красоте древнего мира.

Творениям классицизма в «золотой век» Екатерины нет аналогий. Нигде в Европе ни в 18 в., ни в начале 19 в. нее удалось достичь той величественной красоты, которая характеризует классицистические архитектурные ансамбли Петербурга и его пригородов. Русский классицизм – это великое явление в истории мирового искусства.

В соответствии с требованиями классицизма произошли значительные изменения в изобразительном искусстве, в первую очередь в живописи.

Одним из основоположников исторического жанра был Антон Павлович Лосенко (1737 – 1773). Его самые значительные работы «Жертвоприношение Авраама», «Прощание Гектора с Андромахой», «Владимир и Рогнеда» являют собой образцы русского академического стиля, кредо которого – подражание античности.

Федор Степанович Рокотов (1735 – 1808) происходил из крепостных и при покровительстве И.И.Шувалова был принят в Академию художеств. Особое обаяние было присуще его женским портретам, говорят даже об особом, «рокотовском типе» женской красоты. Творчество Дмитрия Григорьевича Левицкого (1735 0 1822) считается вершиной портретного искусства 18 в. Почти все портреты лишены внешней парадности, но в то же время на них изображены значительные личности (портреты Кокоринова, Демидова, Строганова), исключение – портреты Екатерины, самым знаменитым из которых является портрет императрицы в виде мудрой законодательницы. Расцвет творчества Владимира Лукича Боровиковского (1757 – 1825) приходится на конец 18 – начало 19 в. Его больше занимает частное лицо в его личной камерной жизни. Самыми замечательными его полотнами были жанровые портреты, а также портреты деятелей литературы и театрального искусства. Даже портрет Екатерины написан был в романтической манере при соблюдении классицистических форм.

Вторая половина 18 в. – время резкого скачка в развитии русской музыки, практически всех жанров. Зарождается русская опера, появляются первые образцы симфонической и камерной инструментальной музыки, вокальной лирики, складывается национальная композиторская школа (М.Березовский, Д.Бортнянский, И. Хандошкин, М.Соколовский, Е.Фомин).

В годы правления Екатерины возросло значение литературы, периодической печати. Реалистические черты отчетливо проявлялись в комедиях Дениса Ивановича Фонвизина(1745 – 1792). Лирика Гавриила Романовича Державина (1743 – 1816), историческая по своему содержанию книга Александра Николаевича Радищева (1749 – 1802) «Путешествие из Петербурга в Москву» несли идеи просветительства.

Отдельного внимания требует творчество Николая Михайловича Карамзина (1766 – 1826). Идеи сентиментализма, признанным главой которого он был, сыграли большую роль в разработке русской литературой проблемы личности, в совершенствовании художественных средств изображения внутреннего мира человека, в развитии русского литературного языка.

Вопросы для самопроверки

1. Русское искусство 17-18 вв

2. «Петровское», «Елизаветинское» барокко, монументальное рококо

3. «Нарышкинское» и «голицынское» барокко

4. Русское декоративное и прикладное искусство

5. «Петербургский стиль» в архитектуре

6. Классицизм и сентиментализм в русской литературе

7. Творчество Ф.Б.Растрелли